The representation of visual appearances, developed over the long history of Western painting, gradually came to reveal the material conditions of painting itself—its flatness, medium, and support—as the principles underlying that representation were dismantled from the modern era onward.

In 2012, when I completed the first work in the series, this trajectory from classical to modernist painting—what might be called one of the central narratives in the history of painting—seemed to me like a geological stratum already covered by asphalt. Above it, the paths of contemporary art continue to spread into a vast, indistinct web.

In this context, I sought to pursue a path of my own by bringing two ways of looking—“the gaze that watches an image unravel” and “the gaze that sees an artwork as a material object”—back into perfect representation.

Beginning with a phenomenological observation of pictorial experience, I considered three distinct ways of apprehending a single painting—the presence of the image, its collapse, and the exposure of the painting’s materiality—which ordinarily emerge at different moments as viewing conditions such as distance and angle change. A work in which all three would operate simultaneously, at the same viewing distance, as a single experience—this was the initial conception behind the CRACKED FIGURE series.

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西洋絵画が長い歴史のなかで発展させた視覚の再現は、近代以降、その原理が解体されていく過程において、次第に平面性やメディウム、支持体といった絵画の物質的条件を露出するようになっていった。

シリーズ1作目を完成させた2012年当時の私にとって、このような古典絵画からモダニズム絵画へと至る流れは、絵画史のメインストリームとも言うべき一つの言説として、最早アスファルトに覆われた地層のようなものに思われた。そして、その上には茫漠とした網目のように現代美術という道が拡張され続けている。

そうした状況の中で私が自らの道として試みたのは、「ほどけていく像を見る視線」と「作品を物質として見る視線」を完璧な再現の中に差し戻すことだった。

現象学的な図像経験の観察から出発し、通常は距離やアングルという鑑賞条件の変化とともに時間差をもって現れる、像の現前、像の崩壊、物質の露呈という、一枚の絵画に対する異なる認識を、等距離で、共時的に、一つの経験として働かせる作品というのが『CRACKED FIGURE』シリーズの最初の構想である。