Solo Exhibition
Intermimesis
Solo Exhibition at ART AND SPACE GALLERY ,Osaka
MARCH 20th, 2024 - APRIL 1th, 2024
This exhibition, composed of three series by Taisuke Mohri, questions the conditions themselves under which images come into being. What Mohri focuses on is the “field of generation,” where the boundaries between image and matter, perception and object, subject and world, waver and intersect. The images that emerge there are not pre-given objects, but relations that arise in the encounter between body and world.
The Cracked Portrait ( 2012 – )
In this series, Mohri employs an extremely realist technique only to dismantle that realism from within, attempting to awaken a new mode of perception. The cracks running across the glass that covers the pencil drawing on paper slip into the interior of the picture while retaining their status as physical matter. This intervention simultaneously exposes three perceptual layers that are not usually perceived simultaneously: the material that actually exists in reality, the image that behaves as if it were that real material, and fragments reduced to pure color and form. These layers coexist synchronously on the surface of the work.
Split mirrors ( 2024 – )
This series overlays sheets of cut glass onto canvases painted with images of fractured mirrors. The duplication between the “painted mirror” and the viewer’s own reflection draws the audience into the very interior of the cut. The unstable images—produced by reflection and transparency—constantly tremble within the shifting relation between matter and the viewer’s gaze as they move around the work.lay.
Intermimesis ( 2025 – )
Developed from Mohri’s question, “Where does an image emerge from?”, this series consists of sets of four wooden panels installed on the wall, each painted directly to depict the panel itself with acrylic paint. Exceeding the mimesis presupposed by conventional painting, the works construct a state that could be called reciprocal mimesis: matter mimics image, while the image simultaneously appears as matter. Within this self – referential structure, multiple subtle “discrepancies” are inserted.
These acts of reciprocal mimesis and displacement generate two gravitational pulls within each panel: a force by which the panel, as physical support, overlaps itself with its painted depiction; and a force by which the panel attempts to merge with the wall—the exhibition space itself. Caught between these two vectors, the panels remain in a state of continual fluctuation. Neither alignment ever achieves perfect coincidence; a slight gap always persists.
As long as the viewer’s gaze engages the work, this circulation between coincidence and non-coincidence continues, placing image, matter, and space into a single generative relation. At that moment, the image does not fix itself, but emerges as a subtle opening toward the world.
毛利太祐による3つのシリーズによって構成される本展では、像が生まれる条件そのものが問われます。 毛利が注視するのは、イメージと物質、知覚と対象、主体と世界の境界が揺らいで交錯する“生成の場”です。 そこで立ち上がる像は、すでに与えられた対象ではなく、世界と身体の接触の中で関係として立ち現れます。
The Cracked Portrait (2012 – )
極めて写実的な手法を用いながら、その写実性を内側から自己解体させ、新たな知覚を立ち上げようと試みる本シリーズ。 紙と鉛筆によるドローイングの表面を覆うガラスに走る亀裂は、物質としての認識を保ったまま絵画内部に滑り込み、「現実に存在する物質」、「現実に存在する物質のように振る舞うイメージ」、「色と形そのものへと還元された断片」という、通常は同時に認識されることのない三層の知覚レイヤーを共時的に露出させています。
Split mirrors (2024 – )
切断された鏡をアクリル絵具で描いたキャンバスの表面に、同じく切断されたガラス面を重ねるという手法をとっており、「描かれた鏡」と「反射として写り込む自分」という二重化された像が、鑑賞者自身を切断の内部へと巻き込みます。 反射と透過による不安定な像は鑑賞者が移動するたびに物質と視線の関係のなかで揺れ続けます。
Intermimesis (2025 – )
「像はどこから現れるのか」という毛利の問いから展開された本シリーズは、壁面に配置された四枚一組の木製パネル群によって構成され、そこに直接アクリル絵具でパネル自身が描かれています。 通常の絵画が前提とするミメーシス（再現／擬態）を越えて、物質がイメージへと擬態し、同時にイメージが物質そのものとして現れる「相互擬態」と呼ぶべき状態が構築され、さらに自己言及的な構造の内部には、複数の微細な「ズレ」が差し込まれています。 この「相互擬態」と「ズレ」によって、パネルには二つの引力が発生します。 ひとつは、支持体としての実体でありながら、描かれたパネル像へと自らを重ねようとする力。 もうひとつは壁という展示空間そのものへ重なろうとする力です。 このイメージ内部、そして空間へと引き合う二つの力のあいだでパネルは常に揺らぎ続けます。 そして、それらはいずれも完全には一致せず、わずかなズレが常に残されます。 鑑賞者の視線が作品に触れている限り、この一致↔不一致の往還は持続し、イメージ／物質／空間はひとつの生成的な関係の中に置かれます。 そのとき像は固定されることなく、世界へのかすかな開きとして立ち現れるのです。
文：毛利太祐 編：谷川純平 訳：三宅 晋之輔
Solo Exhibition
Apothanasia
Solo Exhibition at MITSUKOSHI CONTEMPORARY GALLERY
MARCH 20th, 2024 - APRIL 1th, 2024
“Apothanasia” stems from “apo” (to depart) and “Thanatos” (death), symbolizing the extension of death through medical intervention.
Inspired by the tragic myth of Narcissus, who, bewitched by his reflection in a pool (water mirror), couldn’t tear himself away, wasting away until death, as recounted by the Roman poet Ovid. Early Renaissance humanist Leon Battista Alberti, referencing this tale, equated painting to Narcissus’ craft, with the water mirror serving as the essence of painting in his treatise “On Painting.”
Interpreting my work through the imagery of the water mirror, which serves as both the origin of painting and a metaphor for the interplay of shadows and traces, I’ve chosen “Apothanasia” as the title of my solo exhibition, intending to position it as an act of prolonging life in the face of Narcissus’s demise.
While the myth of Narcissus commonly symbolizes self-love and narcissism, a deeper interpretation within my work lies in the unattainable nature of desire. Here, the impossibility lies not only in the image being one’s own but also in the illusory nature created by the reflected light on the water’s surface. One’s image reflected in the water dissipates with every attempt to approach or grasp it. The water’s surface, serving as the boundary between “illusion” and “reality,” can be viewed as akin to the surface of a painting. While painting inherently stimulates desire, it simultaneously acts as a barrier, separating the viewer from their desires.
At the core of this exhibition lies the ongoing series “The Cracked Portrait,” initiated in 2012, featuring hyper-realistic depictions of human figures overlaid with noisy effects under cracked glass.
These cracks, resembling the water’s surface, fragment the depicted figures, slipping between the perception of three-dimensional material reality, the illusionary three-dimensional space created by painting, and the fractured two-dimensional plane, creating a layered structure where these dimensions and perceptions intertwine.
Essentially, my work challenges not just glass or images but the boundaries between two and three dimensions, between “illusion” and “reality,” where Narcissus’s demise is postponed within the interplay of perceptions.
apo( 離れる )+Thanatos( 死 )=死期延長、延命治療
ローマ時代の詩人オウィディウスが書いた、呪いによって泉の水面(水鏡)に映る自分の姿に見惚れてその場を離れることができなくなり衰弱死した青年ナルキッソスの悲劇の神話。
この物語を引用した初期ルネッサンスのユマニスト、レオン・バティスタ・アルベルティは、著書「絵画論」において、絵画をナルキッソスの技芸とし、水鏡を絵画の根源と語っています。影そして痕跡と共に絵画の起源、あるいはメタファーに用いられる水鏡から展開するイメージとして私の作品を解釈し、それをナルキッソスの死に対する延命行為と位置付ける意図で「Apothanasia」を個展のタイトルとしました。
一般的にナルキッソスの逸話は自己愛、ナルシシズムの象徴として知られていますが、私の作品において、より重要な解釈は、欲望の対象が絶対に到達不可能なイメージであり、その不可能性は対象のイメージが自分自身のものであること以上に、水面に反射した光が生み出す虚像であるというものです。
水面に映る自らのイメージは近づこうとすれば吐息によって崩れ去り、掴もうとすれば指の間からこぼれ落ちます。
虚と実の境界となる水面は絵画の表面と見做すことができ、絵画が根源的に持っている不可能性は欲望を掻き立てる装置でありながら、同時にそれを隔てるものとしてそこに存在するのです。
本展の中心となるのは 2012 年から継続している「The Cracked Portrait」というシリーズで、ドローイングによるハイパーリアリスティックな人物描写とノイジーなエフェクトを、ヒビの入ったガラスで覆った作品です。
水面のようなガラスに走る亀裂は、物質としての認識を保ったまま絵画のイメージ内部に滑り込んで描かれる人物を分割し、「現実に存在する物質としての3次元」、「絵画のイリュージョンによる虚像としての3次元」、「イリュージョンが壊れた2次元」、これらが1つのイメージとして折り重なった構造を作り出しています。
つまり私の作品が壊しているのはガラスやイメージ自体ではなく2次元と3次元、そして虚と実の境界であり、それらが入り混じる認識の中でナルキッソスの死は先延ばしになるのです。